МОДА И КУЛЬТУРА Европы. Историческое расследование Гийометты Дюпле, исполнительного редактора журнала RUNWAY ЖУРНАЛ. Фото/изображения предоставлены: GettyImages/INPI/Louis Vuitton/Dolce Gabbana/Emilio Pucci.
«Мода проходит, остается только стиль».
Коко Шанель
Мода как важнейший элемент нашего общества
Мода играет решающую роль, опираясь на культуру, историю и искусство, служа одновременно образовательным инструментом и источником вдохновения. Следование модным тенденциям часто приводит к появлению сообществ с общими интересами, коллективно движущихся в одном направлении.
Крупные люксовые бренды потратили годы на создание своей идентичности и ДНК. Иногда они нанимают креативных директоров за пределами своего традиционного круга по маркетинговым или культурным причинам, стремясь привлечь новую аудиторию с другим культурным прошлым.
На первый взгляд этот подход может показаться привлекательным, поскольку он привносит свежие идеи и новую перспективу. Это позволяет бренду заново изобрести себя и оставаться актуальным с течением времени. Однако существуют и риски, связанные с этой практикой.
Одним из рисков является размывание индивидуальности роскошного дома.
Когда нанимается внешний креативный директор, он может предложить видение, которое расходится с устоявшейся идентичностью бренда, потенциально размывая суть и аутентичность бренда. Преданные поклонники и клиенты могут почувствовать отчуждение или разочарование, если ценности и эстетика, которыми они дорожат, существенно изменятся.
Более того, найм внешнего креативного директора можно рассматривать как чисто коммерческую стратегию, направленную на привлечение новых клиентов и увеличение доходов. Это может вызвать критику и быть воспринято как эксплуатация культуры или участие в культурном присвоении, особенно если бренд в значительной степени опирается на конкретную культуру, не уважая ее происхождение и глубокий смысл.
Идея назначения креативного директора, не входящего в традиционную историю люксового бренда, может показаться многообещающей, но крайне важно подходить к этой практике с осторожностью. Крайне важно найти баланс между инновациями и сохранением идентичности и истории бренда, а также продемонстрировать культурную чувствительность, чтобы избежать любой формы эксплуатации или культурного присвоения.
Мода – это социальное событие.
МОДА И КУЛЬТУРА ВО ФРАНЦИИ
Давайте исследуем эволюцию Louis Vuitton под руководством Вирджила Абло.
Этот талантливый человек успешно выполнил свою миссию, привлекая преимущественно музыкальную, спортивную и афроамериканскую аудиторию. Это создало новое потребительское сообщество, которое демонстрирует свою принадлежность к группе через бренд Louis Vuitton. Однако эта тенденция может быть больше сосредоточена на внешнем виде и демонстрации богатства, а не на подлинном понимании культуры и значения бренда.
Для люксовых брендов крайне важно сохранять свою ДНК и культурное наследие, развиваясь с течением времени. Реализация краткосрочных финансовых стратегий иногда может привести к потере аутентичности и размыванию идентичности бренда.
Я также ссылаюсь на пример Фаррелла Уильямса, который продемонстрировал дизайн с использованием шкур животных, находящихся под угрозой исчезновения, не принимая во внимание мнение профессионалов. Это вызывает обоснованную обеспокоенность по поводу того, как вдохновение может превратиться в культурное присвоение, а также важности уважения к природе и окружающей среде в дизайне одежды.
Мода действительно служит проводником культуры, образования, экономики и политики. Оно глубоко влияет на наше общество и может сыграть значительную роль в формировании нашей индивидуальной и коллективной идентичности. Поэтому крайне важно, чтобы дома моды осознавали свою ответственность и действовали этично, обеспечивая сохранение своего наследия и адаптируясь к изменениям в современном мире.
Однако важно также признать, что мнения о моде и ее последствиях могут различаться. Некоторые могут рассматривать эти изменения как возможность для диверсификации и омоложения, в то время как другие могут беспокоиться о сохранении аутентичности и культурной значимости.
Признание этого разнообразия точек зрения в дискуссиях о моде и содействие открытому и уважительному диалогу имеют важное значение.
Столицей моды остается ПАРИЖ с высокой модой
Я приглашаю вас изучить эту страницу на сайт Министерства культуры. Министерство культуры поддерживает создание, исследования и инновации в моде, финансируя организации и проекты, которые способствуют известности французской моды.
Мода – это прежде всего вопрос внешнего вида:
ОТНОШЕНИЕ
Действительно, одежда появилась с доисторических времен и развивалась на протяжении веков, но давайте помнить вот что: первыми, кто принял кодекс одежды, были при дворе Версаля. Людовик XIV и Жан-Батист Кольбер решили сделать Францию ведущим мировым производителем предметов одежды и продуктов. Индустрия роскоши перешла под власть короны.
Это привело к появлению таких известных ремесленников, как Роуз Бертен. Парижская высокая мода стала наследницей этого явления. Незадолго до Французской революции иллюстрированные модные альманахи начали распространять парижскую моду среди читателей в провинции и по всей Европе.
Это ознаменовало зарождение модной журналистики, важнейшего средства либерализации одежды.
Экстравагантный стиль французского королевского двора привел к огромным долгам налогоплательщиков. Эти чрезмерные расходы также способствовали запятнанию репутации Марии-Антуанетты и даже стали одним из поводов для обид, спровоцировавших Французскую революцию. Спустя долгое время после своей смерти Мария-Антуанетта остается главной культурной иконой, символизирующей гламур и богатство.
Во время Французской революции «санкюлоты» придали одежде политическое значение. Закон 8 брюмера 2-го года (29 октября 1793 г.) провозгласил свободу одеваться по своему желанию, что предвещало демократизацию одежды.
Во Второй империи это были британцы, особенно Чарльз Фредерик Ворт, который был пионером в использовании живых моделей в Париже. Это ознаменовало рождение высокой моды.
До 20 века люди либо шили одежду сами, либо шили ее на заказ. Дизайнеры освободили женское тело от корсета во время Первой мировой войны.
В начале 20 века Жанна Пакен придумала показы мод.
В то время в Париже было около двадцати домов высокой моды. Поль Пуаре был первым, кто «эмансипировал женское тело».
Эти годы ознаменовались новым трендом в мире моды: сотрудничеством кутюрье и художников-визуалистов. Например, Эльза Скиапарелли сотрудничал с художником Сальвадором Дали. Их дружба привела к созданию необычной коллекции, в которой соединились художественные стили и яркое воображение. Знаменитое «Платье-лобстер» 1937 года стало ярким примером этого слияния.
Чтобы расширить свое влияние, мода успешно заключила союзы с фотографией и кино. В 1930 году Коко Шанель заключила сделку с Сэмюэлем Голдвином на создание нарядов для звезд United Artists.
Париж считается мировой столицей моды, о чем свидетельствуют многочисленные модные бутики по всему городу. Мир охватывает французскую моду вместе с ее культурой. Сегодня происходит культурный обмен между странами и роскошными домами моды, приводящий к великолепным результатам.
Почему?
Слово «культура» имеет решающее значение в обоих контекстах.
Если «культурная» система, принятая сегодня крупными роскошными домами, основана на истории, чуткости, уважении и т. д., формируются естественные связи. И наоборот, если этот подход является чисто маркетинговым (чтобы дать ему правильную интерпретацию), он отвергается «используемым» сообществом.
МОДА И КУЛЬТУРА В ИТАЛИИ
Рождение итальянской моды и «Сделано в Италии»
История итальянской моды берет свое начало в средние века с появлением первых ткацких и красильных мастерских. В этот период с Востока импортировались самые ценные ткани, а итальянские мастерские специализировались на производстве изысканных и качественных тканей. Бренд «Сделано в Италии» зародился на основе этой ремесленной традиции и итальянского мастерства, которые помогли итальянской моде выделиться на международной арене. На протяжении веков итальянские дизайнеры продолжали вводить новшества и разрабатывать новые стили, черпая вдохновение как из эпохи Возрождения, так и средиземноморской культуры.
Рим, Флоренция и Милан символизируют итальянскую экономику моды.
Римская высокая мода
Успех моды в Риме в эпоху после Второй мировой войны стал результатом процесса совершенствования, который начался в 1870-х годах, после социально-экономических потрясений, потрясших город с 1871 года, когда он стал столицей Италии. Прибытие королевской семьи, правительственных учреждений, посольств, купцов и мелких предпринимателей свергло иерархию, в которой доминировали старые и могущественные аристократические семьи, открыв путь менее консервативному дворянству и, что более важно, городской буржуазии с новыми культурными ценностями и образом жизни. и модели потребления. Этот новый социальный класс создал особый спрос на предметы и аксессуары высокой моды, привлекая самых искусных ремесленников. Приезжая из других итальянских городов, они основывали свои мастерские в столице или открывали там филиалы.
Первым «кутюрье», создавшим моду, независимую от парижских стандартов, был не кутюрье в строгом смысле этого слова, а художник: Мария Моначи Галленга (1880-1944), которая видела в дизайне одежды идеальный синтез пластического искусства и живописи. В 1915 году она продемонстрировала свои первые творения на выставке Terza secessione Romana и Панамско-Тихоокеанской международной выставке в Сан-Франциско, где была удостоена Гран-при. С этого момента и до 1935 года проекты Марии Галленги пользовались широким успехом в Европе и Соединенных Штатах, кульминацией которого стал Гран-при, присуждаемый международным жюри в 1925 году на Международной выставке современного декоративного и промышленного искусства в Париже. Ее усилиями Рим впервые начал «экспортировать» творения итальянской женской моды. В 1928 году, открыв филиал во Флоренции, г-жа Галленга основала дом в Париже на улице Миромениль, действовавший до 1934 года. Ее успех побудил других дизайнеров 1920-х и 1930-х годов порвать с Парижем, подстегиваемый культурным и политическим климатом Парижа. эра.
После Второй мировой войны римская мода добилась международного успеха. Кризис парижской высокой моды и большее осознание своего потенциала заставили римских кутюрье раз и навсегда порвать с Парижем. Американский рынок в значительной степени способствовал этому успеху. Действительно, с окончанием конфликта Рим стал международным туристическим направлением, особенно для богатых американских женщин, которые начали открывать и ценить творчество его домов моды, составляя основную часть их клиентуры.
Симонетта, аристократка из семьи Висконти ди Чезаро, открывшая мастерскую в 1946 году, была первым римским кутюрье, привлекшим внимание американского рынка. Современный дизайн ее одежды и ее практичность сделали ее пригодной для массового производства и соответствовали линиям одежды универмагов по всей Атлантике. Следовательно, многие из ее работ были куплены и воспроизведены американскими магазинами Bergdorf Goodman и Marshall Field's.
Громким событием, выведшим римскую высокую моду в центр внимания, стала свадьба американской звезды Тайрона Пауэра с актрисой Линдой Кристиан, состоявшаяся в Риме 27 января 1949 года. Фотографии пары были опубликованы на первых полосах ведущих европейских и мировых изданий. Американские журналы продемонстрировали роскошное платье невесты, созданное домом Sorelle Fontana, и утренний костюм жениха, созданный Доменико Карачени. В тот день мир стал свидетелем таланта римских кутюрье и, что более важно, римская мода укрепила свои связи с голливудским кино.
Действительно, именно в начале 1950-х годов огромные, хорошо оборудованные студии Чинечитта (основанные в 1937 году) начали принимать американских режиссеров и актеров, работающих над фильмами, производимыми крупными студиями США, в первую очередь Metro Goldwyn Mayer, за что Рим получил прозвище «Голливуд». на Тибре».
Пока актеры открывали для себя идеальный крой костюмов Caraceni и Brioni, актрисы становились постоянными клиентками римских домов моды. Фернанда Гаттинони создавала одежду для таких звезд, как Ингрид Бергман и Лана Тернер, а также для американского посла Клары Бут Люс и Евы Перон.
Эмилио Шуберт создавал костюмы для императрицы Персии Сорайи и многочисленных актрис, включая итальянскую звезду Софи Лорен.
Эстер Уильямс покровительствовала мастерской молодого Роберто Капуччи, который за свою линию «скатолы», состоящую из скульптурных и абстрактных объемов, получил в 1958 году модный «Оскар», присуждаемый бостонским универмагом Filene's. В следующем году награда досталась Ирен Голицын, создательнице знаменитых пижам-палаццо — идеального сочетания современности и высокой моды, которое обожала Жаклин Кеннеди.
Студию Sorelle Fontana часто посещали такие звезды и первые леди, как Одри Хепберн, Лиз Тейлор и Жаклин Кеннеди, но Ава Гарднер особенно любила их проекты, выбрав Sorelle в качестве художника по костюмам для большинства фильмов, в которых она снималась.
Флоренция и утверждение итальянской моды 1951-1970 гг.
Окончательный выход итальянской моды на международную арену произошел в начале 1950-х годов благодаря показам мод во Флоренции, организованным в Палаццо Питти маркизом Джованни Баттиста Джорджини. Этот поворотный момент стал результатом не институциональных усилий, а, скорее, динамизма личности. Джорджини использовал свой обширный коммерческий опыт и обширную сеть контактов и связей, развиваясь при управлении закупками для крупных американских универмагов. Он был первым, кто признал и продвинул инновационные и привлекательные элементы итальянской высокой моды на основной международный рынок послевоенной эпохи - американский рынок.
Во Флоренции и Тоскане в более широком смысле существовала яркая ремесленная ткань, средневековое наследие производственных и торговых традиций. Город, имеющий имидж живого свидетельства искусства и культуры итальянского Возрождения, стал главной достопримечательностью международного туризма. На несколько десятилетий Флоренция стала ориентиром итальянской моды благодаря успеху и международной известности местных модных предприятий и домов, таких как Salvatore Ferragamo (основанный в 1927 году), Guccio Gucci (основанный в 1921 году) и Emilio Pucci. В 1947 году Сальваторе Феррагамо получил премию Неймана Маркуса, сродни модному «Оскару», вручаемую одним из крупнейших американских универмагов модельерам и профессионалам.
12 февраля 1951 года, дата первого коллективного показа итальянской моды, организованного Джорджини, считается не только официальной датой рождения итальянской моды, но и созданием лейбла «Сделано в Италии», ознаменовывающего международное признание творческого и ремесленного искусства Италии. превосходство. Показ мод состоялся в салонах его резиденции на вилле Торриджани после событий в Париже. В присутствии шести крупнейших американских покупателей свои модели представили тринадцать итальянских домов моды: девять мастерских высокой моды из Рима и Милана и четыре дома-бутиков моды.
Среди них был Пуччи, единственный местный кутюрье. Американские гости были полны энтузиазма, а пять присутствовавших итальянских журналистов обеспечили высокий уровень освещения мероприятия. Окончательное посвящение произошло в июле 1951 года, во время второго мероприятия, где число участвующих итальянских домов моды увеличилось с тринадцати до пятнадцати, а количество представленных моделей выросло со 180 до 700. Более того, количество покупателей резко возросло с шести. до более чем 300. Чтобы разместить их, шоу были перенесены в новое место - Гранд-отель.
Джорджини сделал ставку на ключевую особенность первого показа: тесную связь между творениями итальянской моды и наследием художественных и ремесленных традиций прошлого, для которых только город Флоренция мог стать идеальным фоном. Таким образом, в четвертый раз, в июле 1952 года, переезд мероприятия в Зал Бьянка Палаццо Питти завершил видение Джорджини, сделав Флоренцию столицей итальянской моды и идеальной витриной для нового союза моды, искусства и традиций. Постановка Джорджини стала ключом к успеху, с его уникальным runway оформление, организация общественных мероприятий параллельно с показами и выдвижение на первый план трикотажа, модной одежды и аксессуаров как настоящих новинок по сравнению с французской высокой модой.
Однако время высокой моды пришло, и ее упадок был в такой же степени социальным явлением, как и рыночным. Возникла новая парадигма моды, менее элитарная и менее аристократическая, в которой высшие эшелоны общества больше не диктовали и формировали нормы моды; вместо этого это стало обязанностью классов с более скромным культурным и социальным статусом. Джорджини прекрасно осознавал это и был в лучшем положении, чем кто-либо другой, чтобы стать свидетелем уменьшения блеска событий, как с точки зрения участия модных домов, так и с точки зрения покупателей и прессы.
Несмотря на эти трудности, он продолжал в обязательном порядке организовывать показы, всегда под знаменем инноваций с первыми моделями готовой одежды (1956 г.), подростковой одеждой (1962 г.) и женским нижним бельем (1964 г.). Он способствовал дебюту новых итальянских модных брендов, таких как Lancetti (1961) и Valentino (1962) для высокой моды, а также Krizia и Mila Schön для категории «бутик». Однако к 1965 году, столкнувшись с продолжающимися трудностями и дезертирством, Джорджини решил уйти в отставку, отказавшись от контроля и организации мероприятий. Его выход на пенсию ознаменовал упадок Палаццо Питти и особенно Флоренции на международной арене.
Уход некоторых из наиболее известных имен национальной высокой моды и растущее внимание к бутиковой моде постепенно подорвали престиж и имидж флорентийских показов, превратив их просто в «ярмарочный праздник». Несмотря на расширение мероприятий в Палаццо Питти, где с 1972 года состоялось первое издание «Pitti Uomo», посвященное мужской одежде и аксессуарам, за которым последовали «Pitti Bimbo» в 1975 году, «Pitti Filati» в 1977 году и наконец, «Pitti Casual» в 1978 году для спортивной одежды для отдыха и «Pitti Casa» в 1970-х годах, когда Флоренция превратилась в центр выставок. Закрытие Sala Bianca в 1982 году и окончательное завершение мероприятий Pitti Donna в 1984 году безвозвратно сделали Милан новым центром готовой одежды и итальянского стиля.
Милан и дизайн одежды
Восхождение Милана к статусу международной столицы готовой одежды началось в середине 1970-х годов благодаря группе молодых дизайнеров, которые решили отказаться от показов во Флоренции и представить свои собственные коллекции в Милане. Международная пресса быстро подхватила это событие, тем более что оно совпало с двадцать пятой годовщиной зарождения итальянской моды.
Выбрав Милан, дизайнеры покинули Флоренцию, которая стала символом ограничений, подавляющих творчество и бизнес. Вдали от Палаццо Питти они могли более разумно выбирать покупателей, свободно представлять коллекции, превышающие лимит в двадцать моделей, установленный на коллективных выставках во Флоренции, и выбирать постановку, которая лучше всего подчеркивала их индивидуальные коллекции.
В 1981 году, всего через несколько лет после этого робкого начала, ведущая финансовая газета Италии впервые посвятила статью «изысканным показам мод, которые привлекли к Милану внимание крупных покупателей со всего мира», признавая роль города в руководстве обновлением. итальянской моды. Дизайнеры, которые вывели столицу Ломбардии на передний план международной арены моды, прошли обучение в сотрудничестве с крупными промышленными предприятиями и научились становиться предпринимателями и творческими менеджерами.
Dolce & Gabbana: символ итальянской элегантности
Dolce & Gabbana, основанная в 1985 году Доменико Дольче и Стефано Габбана, является одним из ведущих итальянских модных брендов.
Dolce & Gabbana, известная своим гламурным и смелым стилем, очаровывает знаменитостей и любителей моды по всему миру. Первая коллекция бренда, представленная на Неделе моды в Милане в 1986 году, отличалась оригинальностью. Дизайн Dolce & Gabbana черпает вдохновение из итальянской культуры и прославляет традиционные мотивы, такие как цветы, фрукты и животные. Dolce & Gabbana также был одним из первых модных брендов, использовавших социальные сети. media для продвижения своих коллекций. Благодаря инновационным социальным media кампании, бренд охватил более широкую аудиторию и создал базу лояльных клиентов. Сегодня Dolce & Gabbana работает по всему миру и предлагает широкий ассортимент продукции: от высокой моды и изделий из кожи до аксессуаров и парфюмерии.
МОДА И КУЛЬТУРА В АНГЛИИ
Классическая «английская мода» или «британский стиль» существует с девятнадцатого века. Дизайнер Уильям Моррис, отец движения «Искусство и ремесла», создал особый «английский стиль», который до сих пор характеризует классическую английскую моду.
Викторианская эпоха, ознаменованная восхождением на престол Александрины Виктории Кентской, дочери герцога Кентского, ознаменовала возникновение монархии, которая была более современной и созвучной чаяниям общества, чем монархия ее дяди. Во время ее правления Великобритания увидела многочисленные достижения, особенно в промышленности, науке и технологиях, но также столкнулась с проблемами после правления королевы Виктории, связанной с упадком Британской империи как мировой державы под властью Георга IV и Вильгельма IV. Королева Виктория оставила неизгладимый след в истории своими предпочтениями и жизнью, связанными с этим знаменательным периодом.
Во время правления королевы Виктории, с момента ее вознесения в 1837 году до ее смерти в конце января 1901 года, Великобритания претерпела преобразования во всех областях, в том числе в странах, которые в это время были британскими протекторатами или колониями, образуя Содружество. Империя простиралась далеко: королева Виктория была императрицей Индии, господствуя на морях со своего трона.
Многие люди связывают викторианский период с романтикой, элегантностью и ушедшей эпохой, которая отражает невинность времени перед огромными культурными потрясениями 20-го века.
Викторианская мода, вдохновленная королевой Викторией
Мода той эпохи находилась под сильным влиянием самой королевы Виктории. Ее Величество была известна как икона стиля на протяжении всего ее правления, и ее личному стилю часто подражали женщины в Лондоне. Это определило тенденции, которые изначально были более светлыми и красочными в начале ее правления, а в период траура стали более строгими и готическими.
Женщины носили такую одежду, как длинные облегающие платья с нижними юбками, чтобы создать объемный эффект. Они отдавали предпочтение элегантным платьям, корсетам и ботинкам. Отличительными чертами этого времени были ботинки на пуговицах, слипоны и ботинки на шнуровке.
В 1840-х и 1850-х годах женские платья отличались узкими, свисающими плечами, талией, стянутой в треугольник, направленный вниз, и юбками в форме колокола. Нижнее белье включало корсет, юбку до щиколотки и несколько слоев юбок с рюшами. Примерно в 1850 году количество юбок уменьшилось, поскольку стали популярны кринолины, увеличившие размер юбок. Дневные платья имели простой лиф, а вечерние были с глубоким вырезом, оставляющим плечи открытыми. Эти наряды обычно дополнялись шалью и перчатками длиной чуть выше локтя.
В 1860-х годах юбки стали плоскими спереди и закругленными сзади. Дневной наряд часто включал рукава-пагоды и высокие воротники, украшенные легкомысленным кружевом. Вечерние платья с глубоким вырезом и короткими рукавами носили с короткими перчатками или рукавицами, связанными крючком. С 1870-х годов домашние платья стали менее структурированными, для неформальных случаев отказались от корсетов, а кринолины заменили турниры.
К концу XIX века фасоны одежды упростились: турняки и кринолины вышли из моды, а платья стали носить менее облегающими. Корсеты остались, но были удлинены, придав женщинам легкий S-образный силуэт. Юбки приобрели форму трубы, плотно облегали бедра, затягивались на талии и расширялись выше колена. Одновременно с этим стали популярны коллекции одежды, предназначенной для занятий спортом, например, для езды на велосипеде, тенниса и плавания.
Мужчины той эпохи обычно носили костюмы-тройки с длинными куртками и приталенными брюками. Большой популярностью пользовалась изысканная одежда денди, такая как сюртуки, цилиндры или котелки. Аксессуары также имели решающее значение: галстуки-бабочки, перчатки и шарфы придавали каждому наряду нотку изысканности.
В 1807 году стало ускоряться массовое производство одежды на фабриках и продажа ее в магазинах по фиксированным ценам. Домашнее шитье все еще было обычным явлением, но начало приходить в упадок. Новое оборудование изменило способ изготовления одежды.
Появление в середине 19 века швейной машины, которая позволяла выполнять закрепочный стежок, упростило изготовление одежды как дома, так и в магазинах. Это механическое достижение облегчило применение различных сложных украшений, которые было сложно изготовить вручную. Машины для изготовления кружев значительно снизили стоимость кружева, сделав его более популярным.
Среди новых материалов из далеких стран Британской империи был каучук, используемый для изготовления резиновых сапог и пальто-макинтошей. Химики разработали синтетические красители, которые были ярче и долговечнее натуральных.
Шапки
В первые десятилетия викторианской эпохи объемные юбки, поддерживаемые обручами, были центральным элементом женского наряда. Шляпы, призванные дополнять силуэт, не отвлекая внимание, оставались скромными как по размеру, так и по внешнему виду. «Невидимый» чепчик, который носили в конце периода Регентства, с круглыми полями, повторяющими форму колокола юбок, со временем удлинился до такой степени, что скрывал лицо владельца.
К 1870 году, когда силуэты стали тоньше, шляпы сжались и стали сдвинуты вперед на лоб. Прически стали более замысловатыми: завитые волосы придавали объем натуральным волосам.
К концу периода модный силуэт напоминал вертикальный треугольник, в моду вошли широкополые шляпы. Эти шляпы были щедро украшены шелковыми цветочными композициями, лентами и экзотическими перьями, самые желанные из которых принадлежали птицам, почти истребленным в Эверглейдс во Флориде.
Стимпанк – фэнтезийная версия викторианской эпохи.
Викторианская эпоха, отмеченная передовыми технологиями, такими как железная дорога, является излюбленным периодом для движения стимпанк. Центральные темы — паровые двигатели, шестерни и всевозможные механизмы… Современные изобретения и технологии переосмысливаются, что и составляет суть стимпанка.
Ювелирные изделия во времена правления королевы Виктории часто изготавливались вручную.
Ремесленников в Великобритании часто приглашали для изготовления брошей, колец и ожерелий, которые часто заказывали в качестве подарков, что отражало значительный уровень мастерства. С другой стороны, некоторые ювелирные изделия также изготавливались на заводе с использованием основных технологий под руководством опытного ювелира, а рабочей силой на производстве служил пролетариат.
Ювелирные изделия викторианской эпохи часто были очень богато украшены многочисленными драгоценными камнями и сложной оправой. Траурные украшения также были модными в викторианский период, в том числе камеи и украшения из волос человека или животных. Менее богатые викторианцы использовали более дешевые материалы, такие как стекло и перламутр, но эти изделия оставались элегантными и декоративными.
Стиль викторианских украшений весьма самобытен, для него характерно использование гагата, бриллиантов и кораллов. Он имеет тенденцию быть тяжелым и богато украшенным, создавая впечатление богатства и роскоши. Хотя на современный взгляд викторианский стиль может показаться немного устаревшим, он остается очень популярным: многие компании предлагают репродукции ювелирных украшений, вдохновленные подлинными викторианскими предметами.
Викторианская мода, названная в честь королевы Виктории, правившей в 19 веке, известна своими длинными юбками, замысловатыми кружевами и лифами с высокими воротниками. Хотя создание наряда в викторианском стиле может показаться трудоемким, результат действительно того стоит. Добавление некоторых механических элементов или сочетание аксессуаров, таких как цилиндр, может произвести поразительное впечатление.
Викторианские сапоги
Викторианские ботинки на шнуровке были особенно популярны среди женщин, а их уникальный стиль ценится и сегодня. Подлинные репродукции часто изготавливаются из тех же материалов, что и оригинальные викторианские ботинки на шнуровке, и доступны из различных источников. Некоторые люди могут предпочесть ботинки из синтетических материалов, а не из кожи, из соображений стоимости или личных предпочтений.
Женские сапоги викторианской эпохи представлены в двух основных стилях.
Они доступны как в низком, так и в высоком крое, в различных цветах, таких как зеленый, красный и белый, хотя наиболее распространенными остаются черный и коричневый. Шнурки обычно проходят вверх по передней части обуви, от ступни до верха ботинка, а высота каблука обычно составляет от 2 до 3 дюймов и имеет форму песочных часов. Самая отличительная особенность женских ботинок на шнуровке в викторианском стиле — это очень острый и узкий носок, поэтому может потребоваться покупка на размер больше обычного, чтобы пальцы не были слишком сдавлены.
Этот тренд познакомит нас с такими великими дизайнерами, как Вивьен Вествуд и Джон Гальяно.
Заключение
Крупнейшие недели моды в Лондоне, Милане и Париже демонстрируют их творчество, отражая их богатую историю и путешествия. В каждом городе есть дизайнеры, черпающие вдохновение из истории моды и своих личных историй — искренний подход, но так ли это сегодня? Это неопределенно.
Мы должны опасаться того, что желательность — это не просто маркетинговая тактика. Если это так, то рассматриваемый бренд или модный дом могут не просуществовать долго.
Мода должна вдохновлять мечты и продолжать оставаться социальным явлением.
Давайте не будем забывать, что мода – самый гламурный посол!
